Diseñar para regenerar: la visión de Nadja Borrás sobre el futuro de la arquitectura

La arquitectura y el diseño atraviesan un momento de transformación en el que la sustentabilidad ha dejado de ser una tendencia para convertirse en una responsabilidad. Para Nadja Borrás Markovic, arquitecta con más de 25 años de trayectoria, el reto está en recuperar principios que durante siglos fueron esenciales para construir en armonía con el entorno.

Formada en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), Borrás Markovic ha desarrollado proyectos corporativos, comerciales, hoteleros, residenciales y de salud, además de mobiliario. Su especialización en diseño sostenible y bioclimático incluye un Diplomado en Diseño y Construcción Sustentable por la Universidad Iberoamericana y una Maestría en Arquitectura Bioclimática por la UNAM.

Su experiencia en proyectos de hospitalidad y estilo de vida, así como sus colaboraciones con operadores internacionales de hoteles de lujo y marcas gastronómicas, la han llevado a desarrollar una visión en la que el diseño no se limita a la estética, sino que debe considerar el impacto ambiental, social y cultural de cada proyecto.

Regresar a lo básico

Para Borrás Markovic, hablar de arquitectura sustentable implica, en buena medida, recuperar conocimientos que estuvieron presentes desde las primeras construcciones de la humanidad.

“La realidad es que de pronto la sustentabilidad se puso de moda. Y nos olvidamos que desde que nos fuimos a vivir a las cuevas, ya tomábamos en cuenta el clima”, explicó en exclusiva para Glits.

La arquitecta recordó que distintas civilizaciones aprovecharon durante siglos elementos como la orientación solar, los vientos, la ventilación y la captación de agua para crear espacios adecuados a las condiciones de cada territorio.

“Desde que somos seres humanos habitando el planeta, hemos considerado los elementos del clima. Y en algún punto de la historia se nos olvidó”, señaló.

En su opinión, el desarrollo tecnológico y la aparición de nuevos materiales durante la Revolución Industrial modificaron radicalmente la manera de construir, al tiempo que introdujeron una lógica cada vez más vinculada con la velocidad y el consumo.

“Yo creo que tiene que ver con la revolución industrial y con el surgimiento de los nuevos materiales”, comentó. A partir de ese momento, agregó, “todo se volvió un tema económico y todo se volvió un negocio”.

Ante este escenario, considera necesario recuperar una aproximación más consciente al diseño: “Tenemos que regresar a lo básico un poquito”.

Reutilizar antes que construir de nuevo

Uno de los planteamientos centrales de Borrás Markovic es que la regeneración también pasa por mirar de otra manera los edificios que ya existen. En lugar de continuar expandiendo las ciudades con nuevas construcciones, propone darles nuevos usos a espacios que ya forman parte del tejido urbano.

“Para mí ya no se necesita un hotel más, ni un cuarto de hotel más. Ya no se necesita un edificio más”, afirmó.

La alternativa, desde su perspectiva, está en recuperar inmuebles existentes y adaptarlos a nuevas necesidades.

“Tenemos millones de espacios y que algunos lo han hecho y se ha logrado”, explicó. Para la arquitecta, esta estrategia permite reducir el impacto asociado con nuevas construcciones y, al mismo tiempo, revitalizar zonas urbanas que han perdido actividad.

Esta visión también implica diseñar edificios más flexibles, capaces de adaptarse con el paso del tiempo a diferentes usos.

“Hacerlos como más flexibles, y eso te ayuda a darle un uso secundario”, dijo al referirse a la posibilidad de que una construcción pueda transformarse, por ejemplo, de oficinas a vivienda o de vivienda a hotel.

El diseño regenerativo va más allá del edificio

Para Borrás Markovic, el concepto de regeneración no termina en las paredes de una construcción. También requiere observar qué sucede alrededor y de qué manera un proyecto puede contribuir positivamente a su comunidad.

“Pensar qué pasa alrededor de donde estoy yo, y cómo puedo ayudar a que lo que está alrededor no se contamine”, explicó.

En un entorno urbano, esto puede traducirse en incorporar espacios públicos, áreas verdes o infraestructura que beneficie a quienes viven y transitan por la zona. En contextos naturales, en cambio, considera indispensable trabajar de la mano con especialistas que conozcan el ecosistema.

“Nosotros, como arquitectos y diseñadores, no sabemos esas cosas. No tenemos por qué”, reconoció. Su papel, explicó, consiste en coordinar distintas disciplinas: “Nuestra especialidad es ser el director de orquesta”.

Como ejemplo, recordó un proyecto hotelero realizado en Playa del Carmen, donde el diseño tuvo que adaptarse a la presencia de un manglar protegido.

“Tuvimos que construir alrededor del manglar”, relató. El proyecto también contempló la protección de especies que habitaban en la zona. Con el paso del tiempo, el propio ecosistema continuó creciendo hasta modificar la experiencia del hotel.

“Si el manglar creció más alto que el edificio, entonces ya hay habitaciones que van al manglar, que ya no ves el mar, y ya son habitaciones de selva”, contó.

La autenticidad como parte de la experiencia

En proyectos de hospitalidad y lujo, la arquitecta considera que uno de los grandes retos consiste en crear experiencias que sean auténticas y estén verdaderamente vinculadas con el destino.

Para conseguirlo, considera indispensable investigar la historia, las características físicas y la dimensión social de cada lugar.

“La autenticidad es súper importante”, aseguró. “Conocerlos a profundidad, entenderlos y tratar de preservarlos lo más posible junto con la gente que vive ahí”.

Borrás Markovic también cuestionó la tendencia de representar la identidad de un destino únicamente mediante elementos decorativos.

“Muchos se van a los mercados de artesanías y empiezan a comprar zarapes y sombreros y jarritos y entonces se vuelve Disneylandia”, criticó. “Eso no es la identidad, la identidad es una cosa real”.

Desde su perspectiva, la verdadera identidad de un destino surge de su historia, su comunidad, sus materiales, sus tradiciones y la relación que mantiene con su entorno.

Diseñar experiencias que transformen

La arquitectura de hospitalidad tampoco debería limitarse a crear espacios visualmente atractivos. Para Borrás Markovic, el objetivo es que el usuario pueda llevarse algo más significativo de su paso por un lugar.

“Lo que nosotros podemos ofrecer es justamente buscar esas experiencias que de alguna manera te transformen”, explicó.

El primer paso, dijo, es comprender profundamente a quienes utilizarán el espacio: “Tenemos que ser psicólogos, tenemos que ser sociólogos y tenemos que ser antropólogos y entender el entorno y el tipo de gente que está en el lugar”.

Su aspiración es que un espacio pueda generar un cambio, aunque sea pequeño, en quien lo visita.

“Que cuando tú llegues como usuario, te vayas, aunque sea un añito cambiado en algo en tu vida diaria”, señaló.

La responsabilidad detrás de cada proyecto

La arquitecta también hizo énfasis en que la sustentabilidad no es una cuestión exclusiva de los grandes desarrollos. Incluso una remodelación pequeña tiene consecuencias que deben ser consideradas.

“Un trabajo chiquito también, remodelar tu baño implica una serie de cosas que también tienes que considerar”, afirmó.

Desde los residuos y materiales hasta el ruido generado durante una obra, cada decisión tiene un impacto.

“También generas basura, también generas ruido”, explicó. Por ello, considera fundamental preguntarse qué sucederá con los materiales que serán retirados y buscar alternativas para reutilizarlos o darles un nuevo destino.

“Regálaselo a alguien, o usa las cosas, el menor desperdicio”, recomendó.

Para Borrás Markovic, la escala del proyecto no elimina la responsabilidad: “La escala da lo mismo, de verdad, en una bodega que en un megaproyecto”.

Una arquitectura que necesita diálogo

Finalmente, la arquitecta destacó la importancia de trabajar desde una perspectiva multidisciplinaria. En su experiencia, diseñar espacios de hospitalidad implica escuchar a profesionales de diferentes áreas y comprender sus necesidades.

“Lo que hacemos está impregnado de muchas otras cosas”, explicó.

Desde chefs y especialistas en gastronomía hasta expertos en arte, biología o las particularidades de un territorio, cada disciplina puede aportar información para enriquecer el resultado final.

“Siempre estamos ávidos de dialogar y de conocer los puntos de vista de las otras personas que se dedican a algo que parece que no tiene nada que ver, pero que tiene todo que ver”, afirmó.

Así, su visión de la arquitectura sostenible no se centra únicamente en construir de manera distinta, sino en cambiar la manera de pensar los espacios, recuperar lo existente y entender cada proyecto como parte de un ecosistema mucho más amplio. Para Borrás Markovic, el futuro del diseño no necesariamente está en hacer más, sino en aprender a hacer mejor y con mayor conciencia.

Nadja Borrás Markovic participó en la reciente edición de LuxuryLab ESG, donde formó parte del panel “Diseñando el futuro: arquitectura, hospitalidad y regeneración”, en su calidad de Directora de Diseño de Gensler México. Durante el encuentro, la arquitecta compartió su perspectiva sobre los retos que enfrenta la industria y la importancia de replantear la manera en que se diseñan y habitan los espacios, apostando por la regeneración, la reutilización de edificios existentes y una arquitectura más consciente de su impacto en el entorno.

14 ROC inicia construcción y confirma el atractivo del Downtown de Miami

Diseño contemporáneo, conectividad urbana y un innovador modelo de propiedad convierten a 14 ROC en una de las apuestas inmobiliarias más atractivas del mercado de lujo en Miami.

El skyline de Miami suma un nuevo protagonista. 14 ROC, el desarrollo residencial impulsado por 14th Street Miami Investments en colaboración con Cervera Real Estate, ha iniciado oficialmente su construcción en el corazón de Downtown, marcando un nuevo capítulo para una de las zonas con mayor transformación urbana de la ciudad.

Con el 50% de sus 283 residencias ya comercializadas antes del arranque de las obras, el proyecto confirma el creciente interés por desarrollos que combinan diseño, ubicación estratégica y modelos de inversión flexibles en uno de los mercados inmobiliarios más dinámicos de Estados Unidos.

Con una altura de 31 niveles, 14 ROC se ubicará en el número 125 de la calle NE 14, en un enclave privilegiado rodeado por algunos de los principales referentes culturales de Miami, como el Adrienne Arsht Center y el Pérez Art Museum Miami (PAMM). Además, el desarrollo se beneficiará de la futura apertura del parque público Underdeck, un corredor verde de 33 acres que transformará la experiencia peatonal del distrito y reforzará la conexión con Edgewater, Miami Worldcenter y la red de transporte integrada por Metromover y Brightline.

Más que un edificio residencial, 14 ROC propone un estilo de vida donde la movilidad, la cultura y el diseño convergen. Su arquitectura, desarrollada por RSP Architects, presenta una base escultórica inspirada en las formas orgánicas de la roca, mientras que los interiores, a cargo del estudio londinense March and White Design (MAWD), privilegian espacios luminosos, funcionales y contemporáneos. El paisajismo fue concebido por Urban Robot Associates, aportando un equilibrio entre naturaleza y entorno urbano.

El desarrollo albergará residencias que van desde estudios hasta departamentos de dos recámaras con estudio, con superficies que oscilan entre los 39 y 89 metros cuadrados. Todas incorporarán distribuciones de planta abierta, acabados de alto nivel y balcones privados con vistas hacia la Bahía de Biscayne. Los precios parten de los 590,000 dólares, posicionándose como una alternativa atractiva tanto para quienes buscan una residencia en Miami como para inversionistas internacionales.

Uno de los mayores diferenciadores del proyecto es su modelo de propiedad flexible. Los propietarios podrán rentar sus unidades a corto plazo, administrándolas de forma independiente o mediante el programa de gestión del propio edificio, una característica que responde a la evolución del mercado residencial de lujo y a la creciente demanda de activos con potencial de rentabilidad.

La experiencia se complementará con más de 25,000 pies cuadrados de amenidades distribuidas en tres niveles. Entre ellas destacan una alberca panorámica en la azotea, gimnasio de última generación, estudios de yoga, saunas y baños de vapor, además de espacios pensados para el trabajo híbrido y el entretenimiento, como áreas de coworking, salas de juntas, un cine privado, estudio profesional para podcast y una sala de karaoke.

Para Russell W. Galbut, cofundador y director gerente de Crescent Heights, el inicio de la construcción refleja la transformación que vive el centro de Miami. «Hoy existe una demanda clara por desarrollos que integren diseño, cultura y calidad de vida en un entorno urbano conectado», señala.

La entrega de 14 ROC está prevista para 2028, consolidándose como uno de los desarrollos que contribuirán a redefinir el perfil residencial de Downtown Miami, una zona que continúa posicionándose como un destino donde convergen arquitectura contemporánea, inversión patrimonial y un sofisticado estilo de vida.

El legado de Henri Rousseau revive en una retrospectiva que celebra al artista francés

El Museo de Orangerie presenta:

La retrospectiva tributo al maestro del artista francés Henri Rousseau

Nació en Laval en 1844, bajo el techo de unos padres de fortuna. Obligado a dedicarse a otra carrera, sus gustos por el arte lo llevaron por el camino artístico. En 1885 debutó con una serie de pinturas de la naturaleza bajo el consejo de Gérôme y Clément.

Fue un duro camino de aprendizaje entre numerosos artistas destacados de la época. Exploró su propio estilo y creó un género original que adaptó a partir de sus observaciones de los mejores pintores realistas.

Con signos característicos como su barba tupida, formó parte de los artistas independientes, dejando escapar toda esa libertad creativa para responder a sus creaciones, con altibajos, y estar listo para exponer en la Feria de París del 10 de julio de 1895.

“Yo mismo en la pintura.”

Autorretrato que abre la exposición

Es una interesante pintura del autor con un paisaje realizado posiblemente con un pincel n.º 0, con delgadas líneas lisas, mucho color, barniz y dimensiones.

Con una decoración académica casi caricaturesca, abrió la exposición universal de la época en 1889, en el pabellón internacional de la Montgolfière, dentro de las celebraciones de la modernidad bajo la Torre Eiffel.

La pintura se convirtió en un objeto de crítica, ya que no podía exponerse en el Salón de Independientes de la época, donde era considerada una burla al buen gusto.

Sin importar las críticas negativas, tuvo una primera respuesta favorable cuando se solicitó la obra para exhibirla en la muestra permanente de un nuevo museo en 1923.

Ya era oficial: el “Autorretrato” recibía buenas críticas por sus atributos pictóricos, sus pinceladas, su paleta de color, la boina y la representación del artista con traje negro, obteniendo reconocimiento académico por sus logros.

En la Paris World Fair.

“L’Octroi” (La puerta alta), pintura al óleo sobre lienzo realizada en 1890

Unos años antes de alcanzar reconocimiento, fue portero en la entrada de París de una gran casona donde recibía a importantes coleccionistas y comerciantes de la época. Trabajaba algunas horas al día para poder adquirir materiales de calidad para sus obras.

La casona contaba con muros de ladrillo y rejas. Con una ligera perspectiva, se puede observar al artista junto a otro personaje con vestimenta oficial, posiblemente un funcionario de aduana.

“Retrato de la mujer y del hombre” (Díptico), dos miniaturas al óleo sobre lienzo, de un formato no mayor a 30 x 30 cm

En estas dos pequeñas pinturas al óleo destaca la representación de ella (su esposa) y de él, realizadas en 1884.

Estas obras forman parte de las primeras piezas destacadas de Rousseau, marcando su debut como artista independiente y autodidacta.

El joven maestro visitaba con frecuencia el Museo del Louvre para estudiar y comprender mejor las composiciones. En este caso, se inspiró en las figuras icónicas del Imperio bizantino y en las miniaturas del siglo XVIII que forman parte de la exposición permanente.

Las obras se titulan “Retrato de mujer” (Retrato de Madame M.), pintura al óleo sobre lienzo realizada en 1895, y “Rousseau dentro de su círculo”.

Estos retratos son muy importantes, ya que evocan los famosos retratos fotográficos de la época a través de una pintura realista e imaginativa, donde se reflejan sus gustos y las simbologías del estilo psicológico clásico francés.

La compra fue realizada por el Museo Pablo Picasso en 1908, en el marco de un banquete de celebración para recibir a los invitados durante un paseo en bote y dar origen a una leyenda.

Rousseau creó retratos de personas cercanas acompañados de paisajes alucinantes, situados entre lo realista y lo surrealista. En ellos comenzó a destacar su particular interpretación de la fauna y la flora, un estilo por el que posteriormente sería reconocido.

Modelos presentes en celebraciones familiares de los domingos.

Estas obras reflejan su estilo y la época social que representaban.

Conservó sus pinturas más íntimas para el círculo de comerciantes o mostró su talento en los salones de exposición.

“La Noce” (El casamiento), pintura al óleo sobre lienzo realizada en 1905.

“Jeune fille en Rose” (La joven chica de rosa), pintura al óleo sobre lienzo realizada entre 1906 y 1907.

“L’Enfant à la marionnette” (El bebé con la marioneta), pintura al óleo sobre lienzo realizada en 1903.

“L’Enfant à la poupée” (La niña con la muñeca), pintura al óleo sobre lienzo realizada en 1892.

“Portrait de Femme dans un paysage” (Retrato de mujer en el paisaje), pintura al óleo sobre lienzo realizada en 1899.

Esta pintura simboliza el pasado y el presente en un solo retrato, con una atmósfera dominada por tonos verdes y los primeros elementos florales de la primavera.

Los nomeolvides que la mujer sostiene en la mano funcionan como un símbolo de respeto, amor y gratitud.

Se trata de un retrato de la madre del artista, Éléonore Guiard, representada en relación con la iglesia clerical de la villa de Laval, Francia.

“Fleurs et dahlia dans un vase” (Flores y dalias en un vaso).

“Nature morte à la cafetière” (Naturaleza muerta con cafetera), pintura al óleo sobre lienzo realizada en 1910.

Al final de su vida, el maestro Rousseau prestó atención a los artistas de la avant-garde, rindiendo homenaje a ese estilo y visitando algunos talleres de amigos.

Entre ellos se encontraba el pintor italiano Ardengo Soffici, quien le pidió una pintura de naturalezas muertas con estas características.

La composición es sobria y limpia, acorde con la modernidad, destacando por sus volúmenes y brillos.

“Le Repas du lapin” (La comida del conejo), pintura al óleo sobre lienzo realizada en 1908.

La artista Sonia Delaunay descubrió dos notables pinturas de Rousseau: “La Carriola”, un retrato animal, y esta obra, que fue reservada para el coleccionista y representante de artistas Paul Guillaume, quien adquirió la pieza perteneciente a Antoine Villard. La obra pasó por distintas manos hasta 1926.

Esto representó un importante impulso comercial, aumentando el valor de la obra del maestro.

Finalmente, constituyó un éxito comercial al ser vendida al coleccionista Albert Barnes junto con la naturaleza muerta.

“La carriole du Père Junier” (El carruaje del padre Junier), pintura al óleo sobre lienzo realizada en 1908.

Rousseau realizó probablemente otro retrato familiar, en el que se observa a su vecino Claude Junier viajando con su sombrero. La obra está inspirada en las fotografías de la época, utilizadas como modelo.

El poeta Guillaume Apollinaire quedó impresionado la primera vez que vio esta pintura. Posteriormente, fue adquirida en 1926 e incorporada a su colección, donde convivía con el majestuoso salón de objetos africanos y esculturas de Picasso.

“Promeneurs dans un parc” (Paseantes en el parque), pintura al óleo sobre lienzo realizada entre 1900 y 1910.

«La Fabrique de Chaises à Alfortville» («La fábrica de sillas en Alfortville»), pintura al óleo sobre lienzo realizada en 1907.

Este edificio representa para Rousseau otro giro en su visión de París, donde comienza a explorar la gráfica y el diseño.

Son los comienzos de una etapa marcada por el naturalismo, en la que predominan los tonos verdes y las naturalezas en movimiento.

“Vue du quai d’Asnières, dit aussi Le Canal et Paysage avec troncs d’arbre”
(Vista del Quai d’Asnières, también conocido como El Canal, y paisaje con troncos de árboles)

Pintura al óleo sobre lienzo, de formato horizontal mediano, realizada entre 1900 y 1902.

Esta pintura fue realizada para un concurso organizado por la Intendencia de la ciudad de Asnières, con el objetivo de decorar la sala principal de matrimonios.

Fue la primera vez que Rousseau participó en un concurso de pintura, cuyo premio era de 1,500 francos, equivalentes aproximadamente a 1,600 euros actuales.

Al quedar descalificado, la obra pasó a la venta en el Salón de los Artistas Independientes de París por un valor aproximadamente tres veces superior.

“La Guerre” (La guerra), pintura al óleo sobre lienzo realizada en 1894.

Marcado por la guerra franco-prusiana de 1870 y la Comuna de París de 1871, Rousseau denuncia en esta pintura las atrocidades de la masacre humana. La obra constituye una crítica a la violencia, con una fuerte carga simbólica y una cuidada composición.

Una mujer desciende sobre un caballo, blandiendo un sable mientras siembra la destrucción, como representación de una justicia divina que pone fin a la guerra.

La obra fue expuesta en el Salón de los Independientes y adquirida por el escritor Alfred Jarry, quien encargó una litografía para su difusión pública en L’Ymagier.

“Les Représentants des puissances étrangères venant saluer la République en signe de paix”
(Representantes de potencias extranjeras vienen a saludar a la República como señal de paz)

Pintura al óleo sobre lienzo realizada en 1907. En esta obra, Rousseau resalta los valores republicanos a través de la figura de Marianne, durante la presidencia de Armand Fallières, así como la presencia de representantes de Europa, Oriente y el norte de África.

La pintura posee un profundo simbolismo patriótico y político. Sorprendió a los espectadores y se relaciona con el contexto de la Segunda Conferencia de La Haya por la Paz. Tras su exposición, fue adquirida por el Estado, con la intervención del marchante Ambroise Vollard.

“Les Artilleurs” (Los artilleros), pintura al óleo sobre lienzo realizada entre 1893 y 1895.

En esta obra, Rousseau representa a varios de sus amigos, inspirándose en una fotografía en la que posaron juntos. Entre ellos destaca el comandante Frumence Biche, identificado por su uniforme blanco.

La pintura muestra una escena sobria de una brigada militar junto a su cañón durante una campaña. Rousseau retrata el ambiente como observador, sin haber desempeñado funciones militares de rango, evocando el espíritu del conflicto de Alsacia-Lorena entre 1870 y 1871.

 

“Rendez-vous dans la forêt” (Nos vemos en el bosque), pintura al óleo sobre lienzo realizada en 1889.

En esta obra, Rousseau representa una escena de carácter místico y romántico, en la que un caballero y su dama pasean por el bosque.

“Femme se promenant dans une forêt exotique” (Mujer caminando por un bosque exótico), pintura al óleo sobre lienzo realizada en 1910.

En esta pintura, Rousseau imagina una escena misteriosa protagonizada por una mujer elegante que camina por un bosque exótico, donde la naturaleza la envuelve e ilumina con flores de gran tamaño.

“Joyeux farceurs” (Bromistas alegres), pintura al óleo sobre lienzo realizada en 1906.

La obra representa una familia de mandriles, en la que algunos ejemplares muestran una actitud afectuosa mientras otros permanecen en actitud de alerta, protegiendo a la manada.

“Forêt tropicale avec singes” (Selva tropical con monos), pintura al óleo sobre lienzo realizada en 1910.

“La Cascade” (La cascada), pintura al óleo sobre lienzo realizada en 1910.

En esta obra, Rousseau supera los estereotipos propios de la ilustración de prensa de su época al representar a un hombre de piel oscura en su hábitat natural, rodeado de animales, una cascada de agua dulce y una exuberante vegetación.

En la profundidad de este espacio decorativo, entre la densa jungla, se percibe una atmósfera de serenidad y paz interior.

Los tonos de la selva están inspirados en los colores reales que adquiere la naturaleza en diferentes horas del día.

“Le Charmeuse de serpents” (El encantador de serpientes), pintura al óleo sobre lienzo realizada en 1907.

Esta obra presenta referencias orientales y elementos asociados al jardín del Edén, creando una composición en la que los distintos símbolos se complementan para construir una atmósfera misteriosa y poética.

De formato mediano, fue expuesta en el Salón de los Independientes como una presentación individual. Posteriormente, también fue desarrollada como proyecto de tapicería bajo la dirección de Berthe Delaunay, madre del pintor Robert Delaunay.

La obra forma parte del acervo del Museo del Louvre desde 1925, integrándose a la colección del patrimonio cultural francés.

Para mí, al final del recorrido, cierra con su obra más famosa: “La Bohémienne endormie” (La gitana durmiente), realizada en 1897.

Pintura al óleo sobre lienzo de gran formato, prestada por el Museo de Arte Moderno de Nueva York, Estados Unidos.

“El manifiesto del final del recorrido. En mi impresión personal, es una fuente de gran inspiración, ya que profundiza en la naturaleza humana y animal dentro de sus dos hábitats.”
Santo Guichon

Las obras reunidas en este homenaje retrospectivo son presentadas por primera vez juntas en la historia. Esta exposición permite al público descubrir la maestría artística de Rousseau, reflejada en una amplia trayectoria marcada por experiencias y una constante búsqueda creativa.

Gracias al Museo de la Orangerie de París por la invitación.

Les presento mi más reciente obra, titulada “Notre Dame appelle-tech”.

Pintura realizada con óleo sobre un pedazo de sábana de hotel, creada en vivo y en directo frente al Pont Saint-Michel de París.

Dimensiones aproximadas: 58 x 62 cm.

Artista: Santo Guichon

https://draft.blogger.com/blog/post/edit/8961682231735342240/616308363701505164

Merci, à la prochaine !

Janu Tokyo convierte sus espacios en una galería inesperada con la obra de Jean Jullien

Este verano, el arte contemporáneo se instala en uno de los hoteles más innovadores de Tokio. Janu Tokyo recibirá The GUESTS, una exposición creada especialmente para el hotel por el artista francés Jean Jullien, que transformará sus espacios en un escenario donde la creatividad, el diseño y la hospitalidad se encuentran.

Diez personajes de papel llegan al universo de Janu Tokyo

Del 1 de julio al 30 de septiembre de 2026, diez personajes de tamaño real pertenecientes a la reconocida serie PAPER PEOPLE tomarán distintos rincones de Janu Tokyo, invitando a huéspedes y visitantes a descubrir encuentros inesperados mientras recorren el hotel.

Las coloridas figuras de Jullien —concebidas como huéspedes imaginarios del propio recinto— aparecerán en espacios gastronómicos, áreas sociales y zonas de bienestar, interactuando con la arquitectura contemporánea de Janu. Algunos personajes contemplarán la vista hacia Tokyo Tower desde Janu Grill, mientras otros descansarán cerca de la piscina del Janu Wellness Centre, creando escenas que mezclan humor, arte y vida cotidiana.

Una serie que regresa a la ciudad donde nació

La exposición representa una nueva etapa dentro de la serie PAPER PEOPLE, un proyecto que comenzó en Tokio en 2021 y posteriormente viajó a ciudades como Nantes, París y Seúl.

Ahora, los personajes regresan a la capital japonesa para formar parte del universo de Janu Tokyo, ubicado en el dinámico distrito de Azabudai Hills, uno de los nuevos polos de diseño, cultura y gastronomía de la ciudad.

“Diez invitados inesperados han tomado residencia en el hotel Janu. Son planos, pero llenos de color. Y están un poco perdidos. Si te encuentras con uno, no seas un extraño”, explicó Jean Jullien sobre esta intervención artística.

El lenguaje visual de Jean Jullien llega a la hospitalidad de lujo

Reconocido por su trabajo en ilustración, pintura, escultura, instalaciones y diseño, Jullien se ha convertido en una de las figuras más destacadas del arte contemporáneo gracias a un lenguaje visual caracterizado por el humor, la cercanía y la capacidad de conectar con públicos diversos.

Para esta colaboración, las piezas fueron creadas por AD Japan con Pyrex, un material elegido por su maleabilidad y su capacidad para conservar la apariencia delicada del papel, generando un contraste con la estética sofisticada y moderna del hotel.

“Janu era el escenario perfecto para colocar estos delicados personajes, precisamente por el contraste. Son frágiles y ligeros, como las personas que pasan por aquí”, señaló el artista.

Una experiencia que combina arte, gastronomía y bienestar

Además de la exposición, Janu Tokyo ofrecerá la experiencia de hospedaje Guests With Jean Jullien, una propuesta diseñada para quienes buscan vivir la colaboración de una manera más inmersiva.

La estancia de dos noches incluirá detalles exclusivos como un obsequio creado por Jullien, galletas especiales de Janu Patisserie y una cena de temporada de varios tiempos en Janu Grill inspirada en la muestra.

Janu Tokyo, un nuevo referente de la hospitalidad contemporánea

Con esta colaboración, Janu Tokyo reafirma su apuesta por combinar arte, gastronomía, bienestar y diseño para crear experiencias que trascienden la tradicional estancia hotelera.

Desde su apertura en 2024, el hotel se ha consolidado como un nuevo referente de la hospitalidad contemporánea en Japón, con una propuesta centrada en la conexión, la creatividad y el bienestar.

La exposición The GUESTS estará abierta al público del 1 de julio al 30 de septiembre de 2026 en Janu Tokyo.

El tiempo como obra de arte: así celebran Blancpain y Breguet el Día Nacional de Suiza

Cada 1 de agosto, Suiza conmemora su Día Nacional, una fecha que recuerda el nacimiento de la Confederación Helvética y que, al mismo tiempo, invita a celebrar algunos de los valores que han definido al país durante siglos: la precisión, la innovación y la excelencia artesanal.

Pocas industrias reflejan mejor esa identidad que la alta relojería. Más allá de fabricar instrumentos para medir el tiempo, las grandes manufacturas suizas han convertido cada reloj en una pieza de ingeniería, diseño y tradición que trasciende generaciones.

Dos manufacturas que marcaron la historia de la relojería

Entre las firmas que han dado forma al prestigio de la relojería suiza destacan Blancpain y Breguet, dos casas que, desde el siglo XVIII, han contribuido a escribir algunos de los capítulos más importantes de la industria.

Fundada en 1735, Blancpain es considerada la manufactura relojera más antigua del mundo que ha permanecido en operación de manera ininterrumpida. Su filosofía ha girado siempre en torno a la preservación de la relojería mecánica, combinando el respeto por las técnicas tradicionales con una constante búsqueda de innovación.

Ese legado encuentra una de sus máximas expresiones en la colección Villeret, inspirada en el pueblo donde nació la Maison. Sus líneas depuradas, proporciones clásicas y acabados refinados reflejan una visión de la elegancia que apuesta por la discreción y la permanencia, lejos de las tendencias pasajeras.

Breguet y una de las mayores revoluciones del tiempo

Si Blancpain representa la continuidad de la tradición, Breguet simboliza la innovación que cambió para siempre la historia de la relojería.

Desde su fundación en 1775, la Maison ha estado ligada al nombre de Abraham-Louis Breguet, considerado uno de los relojeros más influyentes de todos los tiempos. Entre sus aportaciones destaca el tourbillon, una complicación patentada en 1801 que revolucionó la precisión de los relojes mecánicos al compensar los efectos de la gravedad sobre el movimiento.

En 2026, la firma conmemora el 225 aniversario de esta invención, considerada una de las mayores hazañas técnicas de la relojería y, hasta hoy, una de las complicaciones más admiradas por coleccionistas y conocedores.

El lujo de preservar un oficio

Aunque cada manufactura posee una identidad propia, Blancpain y Breguet comparten una misma visión: mantener vivos los oficios artesanales que han definido a la relojería suiza durante más de dos siglos.

Detrás de cada pieza hay cientos de horas de trabajo manual, movimientos ensamblados con precisión microscópica y acabados realizados por artesanos especializados, un proceso que convierte a cada reloj en una obra destinada a perdurar.

En un momento en el que la tecnología domina la vida cotidiana, estas manufacturas continúan demostrando que el verdadero lujo también reside en el tiempo invertido para crear un objeto excepcional.

Un símbolo de la excelencia suiza

La celebración del Día Nacional de Suiza ofrece una oportunidad para mirar más allá de los paisajes alpinos, el chocolate o la banca privada y reconocer una de las industrias que mejor representan la identidad del país.

A través de Blancpain y Breguet, la alta relojería sigue siendo un referente mundial de innovación, precisión y savoir-faire, consolidando a Suiza como la cuna de algunas de las creaciones mecánicas más admiradas del universo del lujo.

El Caribe mexicano brilla en la arquitectura de lujo: Impression Isla Mujeres entre los mejores proyectos del mundo

Entre el azul profundo del Caribe mexicano y una arquitectura pensada para dialogar con la naturaleza, Impression Isla Mujeres continúa consolidándose como uno de los proyectos hoteleros más destacados del mundo. El resort de ultra lujo fue seleccionado como finalista en los Porcelanosa International Project Awards 2026, uno de los reconocimientos internacionales más relevantes en arquitectura, interiorismo y diseño.

La propiedad, ubicada en el extremo sur de Isla Mujeres, fue elegida como uno de los tres proyectos finalistas en la categoría “Hotels”, una distinción que reconoce propuestas capaces de transformar la manera en que los viajeros experimentan un destino a través del espacio, la estética y la hospitalidad.

Más que un hotel, Impression Isla Mujeres representa una nueva visión del lujo: una donde arquitectura, bienestar y entorno natural conviven para crear una experiencia profundamente conectada con el paisaje.

Arquitectura que nace del entorno

Diseñado como un santuario frente al mar, el resort apuesta por una relación constante entre los espacios interiores y el escenario natural que lo rodea. La luz del Caribe, las vistas abiertas al océano y los materiales cuidadosamente seleccionados forman parte de una narrativa arquitectónica que busca transmitir calma, privacidad y conexión.

La propuesta fue desarrollada por el arquitecto Andrés Cajiga y la diseñadora Nadja Borrás, quienes llevaron el concepto del proyecto hasta Estocolmo para presentarlo ante el jurado internacional de los Porcelanosa International Project Awards.

Uno de los elementos más emblemáticos de la propiedad es El Tëmplo, una estructura escultórica que se ha convertido en símbolo del resort y que resume su filosofía: crear espacios que inviten a la contemplación, el bienestar y la conexión con el entorno.

El nuevo lujo: experiencias más allá del hospedaje

Ubicado frente a las aguas turquesa del Caribe mexicano, Impression Isla Mujeres forma parte de la colección de ultra lujo de World of Hyatt y propone una estancia basada en la personalización y la exclusividad.

El resort cuenta con 123 suites frente al mar, servicio de mayordomo, experiencias privadas, propuestas gastronómicas de autor y espacios diseñados para disfrutar el destino desde una perspectiva más íntima.

Entre sus experiencias destacan sus piscinas infinity con vistas al océano, su spa con circuitos de hidroterapia, actividades acuáticas y escenarios como UNIK Sky Bar & Lounge, donde los atardeceres caribeños se convierten en uno de los momentos más memorables de la estancia.

Un reconocimiento al diseño mexicano con proyección global

La nominación en los Porcelanosa International Project Awards 2026 se suma a otros reconocimientos obtenidos por la propiedad, incluyendo la distinción AAA Diamond Top 10 Hotel Winner 2026, un reconocimiento reservado para hoteles que destacan por sus estándares de servicio, calidad y experiencia.

Estos galardones refuerzan la posición de Impression Isla Mujeres como uno de los proyectos que están redefiniendo la hospitalidad de lujo en México, al combinar diseño contemporáneo, atención personalizada y una profunda integración con el destino.

En una época donde los viajeros buscan lugares con identidad y propósito, Impression Isla Mujeres representa una nueva forma de entender el lujo: no como una colección de excesos, sino como una experiencia diseñada para permanecer en la memoria.

Una década frente al mar: Blue Apple Beach celebra su historia en Cartagena con un homenaje al talento local

El hotel boutique de Tierra Bomba conmemora 10 años de historia con una campaña artística que reconoce a los emprendedores, chefs y creadores que impulsaron la nueva identidad cultural del Caribe colombiano.

Hace una década, la idea de convertir la isla de Tierra Bomba en un destino capaz de atraer a viajeros internacionales parecía un reto ambicioso. Sin embargo, una visión basada en la autenticidad, la creatividad y el respeto por la comunidad dio origen a Blue Apple Beach, un refugio frente al mar que con el paso del tiempo redefinió la manera de vivir la hospitalidad en Cartagena.

Para celebrar sus primeros diez años, el hotel boutique decidió mirar más allá de su propia historia y dedicar este aniversario a las personas que ayudaron a construir el espíritu contemporáneo de la ciudad. Bajo el concepto “Blue Apple está celebrando 10 años de aventura… y los que la inspiraron”, la propiedad reconoce a una generación de emprendedores, artistas y creadores que apostaron por Cartagena como un epicentro de cultura, gastronomía y experiencias únicas.

Un homenaje al talento que dio forma a Cartagena

Como parte de esta celebración nació “Nuestros Legends 2016”, una colección de retratos creados por la artista colombiana Diana Herrera, quien plasmó en sus obras la esencia de aquellos personajes que fueron clave en la transformación del destino.

A través de pinturas realizadas a mano, la artista capturó historias de colaboración, amistad y pasión por una ciudad que hoy se encuentra entre los destinos más atractivos del Caribe. La colección reúne a figuras vinculadas con la gastronomía, el arte, la cultura y la hospitalidad, entre ellos chefs, fundadores de restaurantes, proyectos creativos y espacios que ayudaron a darle una nueva identidad a Cartagena.

Más que un reconocimiento a la fama, la iniciativa celebra el impacto de quienes apostaron por crear una escena local más auténtica y demostrar que el desarrollo turístico también puede construirse desde las conexiones humanas y el trabajo colectivo.

Un refugio frente al mar con esencia caribeña

Ubicado a pocos minutos en lancha del Centro Histórico de Cartagena, Blue Apple Beach se ha convertido en uno de los lugares favoritos para quienes buscan una experiencia alejada del turismo tradicional.

El hotel combina el concepto de boutique hotel con la atmósfera relajada de un beach club frente al mar. Sus espacios integran diseño contemporáneo, materiales naturales y una estética que privilegia la conexión con el paisaje.

Entre sus experiencias destacan una playa privada, piscina frente al mar, espacios de bienestar, sesiones de yoga, música en vivo y una propuesta gastronómica inspirada en los sabores del Caribe colombiano, con ingredientes frescos, productos locales y una mirada contemporánea hacia la cocina regional.

El lujo de crear comunidad

Durante estos diez años, Blue Apple Beach también ha apostado por una visión de turismo responsable, impulsando iniciativas de sostenibilidad, colaboración con productores locales y oportunidades para la comunidad de Tierra Bomba.

La propiedad forma parte de Nuestra Cartagena, un colectivo de proyectos independientes que comparten el objetivo de mostrar una versión más auténtica, creativa y sostenible de la ciudad.

Así, su décimo aniversario no solo celebra la historia de un hotel, sino la de una comunidad que convirtió ideas en experiencias y que ayudó a posicionar a Cartagena como uno de los destinos más inspiradores de Latinoamérica.

Porque para Blue Apple Beach, el verdadero lujo no está únicamente en un lugar frente al mar, sino en las historias, personas y conexiones que hacen que un destino cobre vida.

Mondrian Mexico City Condesa convierte sus espacios en una galería de arte con “Human Echoes” de Carlos Andrade

El hotel presenta una nueva colaboración artística que invita a reflexionar sobre la identidad, la transformación humana y la relación entre memoria, materiales y emociones.

El arte vuelve a ser protagonista en Mondrian Mexico City Condesa con la llegada de Human Echoes (Ecos Humanos), una instalación del artista venezolano Carlos Andrade que transforma los espacios del hotel en un escenario de exploración creativa y encuentro cultural.

Como parte de su apuesta por impulsar experiencias vinculadas con el arte y la comunidad, el hotel presenta esta colaboración que va más allá de una exposición tradicional: propone una experiencia inmersiva alrededor de la evolución del ser humano y los cambios que moldean la identidad a través del tiempo.

“Esta instalación encarna la dedicación de Mondrian Mexico City Condesa por apoyar a los artistas y crear espacios donde huéspedes y visitantes puedan reunirse y conectar de manera profunda”, señaló Claudia Di Gino, Gerente General del hotel.

Materiales que cuentan historias

A través de la escultura, la pintura, la cerámica y las técnicas mixtas, Andrade explora conceptos como identidad, desplazamiento, conexión humana y transformación personal.

Uno de los elementos más distintivos de su trabajo es el uso de materiales recuperados y objetos encontrados, piezas que originalmente tuvieron otra función y que el artista rescata para darles una nueva vida dentro de sus composiciones.

Este proceso de reinterpretación se convierte en una metáfora sobre la propia experiencia humana: aquello que parece haber cumplido su propósito puede transformarse y adquirir un nuevo significado.

En Human Echoes, elementos industriales y objetos descartados se integran en una obra que conserva la memoria de su origen, pero al mismo tiempo representa la posibilidad de comenzar de nuevo.

Un diálogo entre pasado y futuro

Con una estética contemporánea que combina referencias futuristas con formas inspiradas en rituales y símbolos ancestrales, la instalación invita a los visitantes a cuestionar sus propias historias de cambio y evolución.

La obra plantea una reflexión sobre los momentos en los que las personas deben dejar atrás certezas, reconstruir sus bases y avanzar hacia nuevas etapas.

Más que una pieza artística, Human Echoes funciona como un recordatorio de la capacidad de transformación y de cómo los objetos, al igual que las personas, pueden reinventarse con el paso del tiempo.

Un hotel como plataforma cultural

Esta colaboración refuerza la visión de Mondrian Mexico City Condesa como un punto de encuentro entre diseño, arte y cultura dentro de la ciudad. A través de exposiciones y proyectos creativos, el hotel busca conectar a viajeros y habitantes locales con nuevas expresiones artísticas.

Ubicado en la colonia Condesa, una de las zonas con mayor identidad cultural de la Ciudad de México, el hotel continúa consolidándose como un espacio donde la hospitalidad convive con la creatividad y las nuevas formas de expresión.

Con esta instalación, Mondrian reafirma su compromiso de impulsar a artistas locales e internacionales y de convertir sus propiedades en escenarios donde el arte forma parte esencial de la experiencia del viajero.

The Bicester Collection convierte las compras de lujo en un viaje por el arte y la cultura europea

Este verano, los exclusivos Villages de The Bicester Collection invitan a descubrir Europa desde una nueva perspectiva: aquella donde el shopping de lujo convive con el arte, la artesanía y las tradiciones locales.

Viajar ya no se trata únicamente de conocer nuevos destinos, sino de vivir experiencias capaces de conectar con la esencia de cada lugar. Bajo esa premisa, The Bicester Collection presenta una ambiciosa programación cultural que transforma sus reconocidos destinos de compras en auténticos escenarios donde el diseño, el patrimonio y la creatividad dialogan con el estilo de vida contemporáneo.

Con once Villages distribuidos en algunos de los destinos más atractivos de Europa y Asia, la colección reafirma una tendencia que gana cada vez más adeptos entre los viajeros de alto poder adquisitivo: convertir el lujo en una experiencia inmersiva donde la cultura local es protagonista.

Este verano, cada Village desarrolla una propuesta inspirada en la identidad de su región, invitando a los visitantes a recorrer galerías al aire libre, descubrir instalaciones artísticas, participar en talleres de artesanía y acercarse a las expresiones creativas que definen el carácter de cada destino.

En Bicester Village, muy cerca de Oxford y a poca distancia de Londres, la temporada gira en torno a All Roads Lead to The Village, una celebración del estilo británico contemporáneo. Jardines efímeros, música en vivo, experiencias inmersivas inspiradas en el automovilismo y una cuidada selección gastronómica acompañan una programación que refleja el equilibrio entre la tradición inglesa y la energía cosmopolita de la capital.

La propuesta también incluye una nueva edición de The Villager, la publicación editorial del Village, que este año fortalece su vínculo con el reconocido quiosco londinense Shreeji News, creando un espacio dedicado a las publicaciones impresas y al descubrimiento cultural.

En las afueras de París, La Vallée Village pone el foco en uno de los mayores orgullos franceses: el savoir-faire. En colaboración con el Institut pour les Savoir-Faire Français, el destino rinde homenaje a los oficios artesanales mediante instalaciones inmersivas y demostraciones en vivo donde maestros artesanos revelan técnicas transmitidas de generación en generación, acercando al visitante al verdadero valor del trabajo hecho a mano.

España también ocupa un lugar destacado dentro de la programación. En La Roca Village, a las puertas de Barcelona, el arte floral y la fotografía contemporánea celebran el legado de Antoni Gaudí y la designación de la ciudad como Capital Mundial de la Arquitectura UNESCO 2026. Las instalaciones reinterpretan algunas de las obras más emblemáticas del arquitecto catalán, mientras una serie fotográfica retrata el espíritu creativo que distingue a Barcelona.

Por su parte, Las Rozas Village rinde tributo a Madrid con Madrid. En vena, una intervención artística que rescata algunos de los símbolos más reconocibles de la capital española: desde claveles monumentales y esculturas elaboradas con cuerdas de aceituna hasta guiños a los tradicionales bares de barrio y la gráfica urbana que ha dado identidad a la ciudad durante décadas.

Italia aporta otra dimensión a esta experiencia cultural. En Fidenza Village, el arte contemporáneo ocupa el espacio público con la incorporación permanente de Wild Kong, la monumental escultura del artista francés Richard Orlinski. Con esta nueva pieza, el Village fortalece su colección de obras al aire libre, consolidándose como un museo donde las compras conviven con el arte.

Mientras tanto, en Alemania, Wertheim Village apuesta por el arte inmersivo con Mille Miroirs, una instalación del artista Cyril Lancelin formada por estructuras espejadas y esferas metálicas que transforman el recorrido de los visitantes mediante juegos de reflejos, luz y perspectiva. La obra forma parte de las actividades de la Capital Mundial del Diseño Frankfurt RheinMain 2026.

La ruta concluye en Ingolstadt Village, donde el programa Nouveau Bavaria reinterpreta la identidad bávara a través de delicadas instalaciones de papel creadas por la artista Anja Shahinniya. Sus composiciones tridimensionales, elaboradas completamente a mano, fusionan la artesanía tradicional con una estética contemporánea inspirada en la naturaleza y el diseño.

Con esta programación, The Bicester Collection demuestra que el lujo contemporáneo trasciende las boutiques y las grandes firmas. Hoy, la verdadera exclusividad también se encuentra en descubrir el talento de los artesanos, recorrer instalaciones concebidas para un momento irrepetible y acercarse a la cultura de cada destino desde una mirada más auténtica.

Porque, en estos Villages, comprar es apenas el comienzo del viaje.

Cuando la arquitectura se vuelve pintura: Bea Sarrias llega a CDMX

La Galería Santa & Cole CDMX presenta la primera exposición en México de la artista catalana, donde la modernidad arquitectónica se convierte en un lenguaje cromático

La Galería Santa & Cole CDMX, de Díez Company, presenta Bea Sarrias. Arquitectura en color, la primera exposición en México de la artista catalana Bea Sarrias (Barcelona, 1978), una muestra que explora la relación entre arquitectura moderna, memoria y pintura contemporánea.

A través de un conjunto de obras recientes, la exposición plantea una reflexión sobre cómo la arquitectura no solo dialoga con el arte, sino que también se convierte en una fuente activa de inspiración pictórica. La muestra permanecerá abierta a partir del 18 de junio en Campos Elíseos 158, en la Ciudad de México.

Arquitectura como origen del color

En Arquitectura en color, Sarrias propone un diálogo visual con las obras de tres figuras esenciales de la arquitectura moderna: Luis Barragán, Josep Lluís Sert y Paul Rudolph. Sus pinturas establecen un puente entre estas visiones y el legado de Piet Mondrian, cuyo lenguaje abstracto atraviesa la exposición como un hilo conceptual.

La artista entiende los edificios como organismos vivos donde la luz, la forma y el color construyen no solo espacios, sino también emociones. En palabras de su propia práctica, la arquitectura se convierte en un territorio que puede ser observado, reinterpretado y pintado.

Barragán, Mondrian y la arquitectura del color

El diálogo con Luis Barragán resulta central en la exposición. El arquitecto mexicano entendía el color como estructura, transformando muros en planos vibrantes que dialogan con la luz y la naturaleza.

Mientras Mondrian avanzaba hacia la abstracción pura basada en geometría y color primario, Barragán expandía ese lenguaje hacia una dimensión sensorial y profundamente ligada al contexto mexicano. Obras como las Torres de Satélite, realizadas junto a Mathias Goeritz, ejemplifican esta convergencia entre arquitectura, escultura y pintura.

Sert y Rudolph: geometría, luz y modernidad

La obra de Josep Lluís Sert introduce una modernidad sensible, donde el orden geométrico convive con la luz mediterránea y la vida cotidiana. En proyectos como el Taller de Miró, la arquitectura se aproxima a la pintura a través del ritmo, la proporción y el uso del color.

Por su parte, Paul Rudolph representa una modernidad más estructural y rigurosa. Su arquitectura, marcada por la complejidad volumétrica y el uso expresivo de la luz, encuentra eco en el interés de Sarrias por la geometría como herramienta de percepción. El edificio Modulightor sintetiza esa búsqueda entre estructura y luminosidad.

La arquitectura como memoria pintada

El trabajo de Bea Sarrias se construye desde la observación y la investigación. Sus obras no representan únicamente edificios, sino atmósferas habitadas por la memoria, la ausencia y la huella humana.

La artista incorpora fotografía, estudio de archivo y procesos de documentación para construir imágenes donde el espacio arquitectónico se convierte en relato visual. En su obra, el color no es solo un recurso estético, sino un elemento vivo que articula la experiencia del espectador.

Una exposición en tránsito internacional

La muestra forma parte de una itinerancia internacional que conecta Barcelona, Ciudad de México y Nueva York, en el marco del programa UNESCO Barcelona 2026 Capital Mundial de la Arquitectura, consolidando el diálogo entre arte, diseño y arquitectura contemporánea.

La exposición incluye ediciones, bocetos y obras sobre tela que revelan el proceso creativo de Sarrias como una forma de arquitectura pictórica. Entre las piezas destacan Cielo y geometría, Saratosa o Primer recuerdo: Rosa, donde la luz y la estructura se convierten en protagonistas.

Cada obra funciona como una interpretación de la arquitectura moderna desde la pintura, explorando cómo el espacio puede ser reconstruido a través del color.

Sobre la artista

Bea Sarrias (Barcelona, 1978) desarrolla una obra centrada en la representación de la arquitectura y la luz. Influida por el realismo americano del siglo XX, su práctica combina investigación visual y sensibilidad pictórica para retratar espacios habitados y arquitecturas icónicas.

Ha trabajado sobre la obra de arquitectos como Antonio Bonet Castellana, José Antonio Coderch, Miguel Fisac, Richard Neutra o Josep Lluís Sert, consolidando una trayectoria internacional con exposiciones en Barcelona, Madrid, Bruselas, México, Nueva York y Oslo.

Arquitectura en color no solo revisita la modernidad arquitectónica, sino que la reinterpreta desde la pintura contemporánea, proponiendo una nueva forma de mirar el espacio construido: como memoria, como luz y como color en movimiento.

Información de la exposición

Galería Santa & Cole CDMX
Campos Elíseos 158, Ciudad de México

A partir del 18 de junio de 2026
Lunes a viernes, 10:00 a 19:00 h
Más información: galeria.mexico@santacole.com