Una celebración de arte, naturaleza y cultura maya: «Xi’Paal Kaab»

En el corazón de la selva de Quintana Roo, emerge una maravilla que captura la esencia de la mitología maya y la riqueza natural de la península de Quintana Roo: «Xi’Paal Kaab», la imponente escultura del Niño Abeja.

Con una altura de 8 metros, esta obra maestra es mucho más que una pieza artística; representa la conexión entre el arte, la naturaleza y la cultura, y marca un nuevo capítulo en la expresión artística en la industria hotelera.

Concebida por el renombrado artista internacional Raúl Estudillo Alvarado, conocido como Rino, «Xi’Paal Kaab» es una celebración del patrimonio natural y las tradiciones culturales de Quintana Roo.

Lo que hace que esta escultura sea aún más especial es su composición: un asombroso 90% de sus materiales provienen de la misma selva en la que se encuentra, incluyendo raíces, ramas y troncos de diversas especies de árboles.

Inspirada en los Aluxes, seres míticos de la mitología maya, esta obbra de arte captura la esencia de estos seres invisibles que a menudo adoptan la forma de los mayas, pero en miniatura.

La escultura presenta trece piedras, una abeja melipona sagrada para los mayas y una mariposa, símbolos de la vida y la transformación. En la mano del Niño Abeja, una antorcha ilumina el camino, simbolizando la esperanza y la armonía entre el ser humano y la naturaleza.

La inauguración de «Xi’Paal Kaab» fue más que un evento; fue una ceremonia tradicional, presidida por un chamán, que honró tanto la tierra prehispánica como la escultura misma. Este ritual místico subrayó el compromiso del complejo con el respeto y la conservación de la cultura local, un valor fundamental en Sandos Caracol Eco Resort.

Te aseguramos que no es solo una obra de arte, es una experiencia que invita a los visitantes a reflexionar sobre su relación con el mundo natural. Los huéspedes y visitantes pueden compartir sus experiencias en las redes sociales utilizando el hashtag #SandosCaracol, conectando así con una comunidad global apasionada por la naturaleza y el arte.

Arte de Daniel Orozco Estudio llega a la feria de diseño Maison & Objet 2023

Las creaciones de Daniel Orozco Estudio (DOE) no conocen fronteras y serán expuestas en la próxima feria de diseño y decoración “Maison & Objet 2023” en París.

El estudio de interiorismo, diseño y mobiliario originario de Tulum y formado por el diseñador homónimo, se ha posicionado como un referente en la industria gracias a la creatividad no solo en el diseño sino de la elección y combinación de diferentes materiales, además de destacar  por seguir una filosofía sustentable y socialmente responsable.

Esta innovadora visión lo lleva a presentarse en la reconocida feria francesa del 7 al 11 de septiembre de este año. La feria se llevará a cabo en el marco de la semana de diseño en París, la temática de este año de la feria es “Quest of pleasures” en la cual se eligieron diseñadores irreverentes, buscaron así que dentro de su propuesta se encontrarán elementos como color, audacia, extravagancia y humor.

La exposición mundial y la entrada en el sector europeo de mobiliario, confirman la relevancia y liderazgo de Daniel Orozco Estudió en la industria de interiorismo. En el stand de DOE se exhibirán las piezas más representativas del artista y del estudio, promoviendo también el uso de materiales de origen mexicano.

«Creemos en el poder del diseño para transformar espacios y crear experiencias únicas. Nuestra participación será una oportunidad para compartir nuestra visión y poner en alto el nombre de México en el mundo del diseño de interiores», añadió Daniel Orozco.

Conoce el mensaje detrás del arte ‘Streets of Love’ de La Roca Village

Para celebrar su 25 aniversario, La Roca Village y el reconocido artista internacional TVBOY se unen, este verano, en una exposición al aire libre que reivindica los valores universales que The Bicester Collection, sello al que pertenece La Roca Village, y el artista de street art comparten. Un manifiesto artístico que habla de futuro, amor y esperanza.

Streets of Love TVBOY x La Roca Village (hasta el 30 de septiembre) es mucho más que una exposición. Es una declaración de principios, una invitación a la reflexión, una celebración de los valores que defienden La Roca Village y el artista, y el mejor ejemplo del compromiso de apoyo al arte, al talento y a la creatividad que impulsa La Roca Village desde hace 25 años.

TVBOY, exponente del Street Art Neo Pop
Detrás de TVBOY está Salvatore Benintende, uno de los exponentes internacionales del movimiento del Street Art Neo Pop y uno de los artistas más destacados de su generación, conocido por su estilo provocador y contemporáneo.

Polifacético y provocador, el artista de origen italiano pero afincado en Barcelona, describe las mil realidades y fenómenos sociales de la contemporaneidad a través del lenguaje universal y único de sus obras, que se han convertido en reconocidos iconos a nivel internacional.

Las calles son uno de sus principales medios para comunicarse. Su arte está conectado con temas sociales, culturales y políticos y siempre genera una reflexión por parte del espectador.

Mensajes comprometidos para hacer el bien
La exposición en el Village toma forma de una audaz invasión de grafitis que representa una serie de valores compartidos: de la libertad al respeto, de la diversidad a la sostenibilidad y, lo más importante, al empoderamiento. Así pues, mensajes como Love, Respect, The Future is Female o Save The Planet Earth, entre otros, tomarán las impresionantes fachadas del Village o botes de spray a gran escala que se ubicarán a lo largo de los bulevares.

Además, una de las obras, titulada Unlock My Future, servirá para recaudar fondos como parte del programa DO GOOD de The Bicester Collection. Esta obra de arte representa a una niña pequeña que es capaz de pintar su futuro por sí misma. Es la representación artística por parte de TVBOY de la visión del Programa de Responsabilidad Social Corporativa de The Bicester Collection, DO GOOD, que tiene como objetivo desbloquear el futuro de las mujeres y de la infancia y que toma una especial relevancia este año con motivo del 25 aniversario del Village.

Aspen Snowmass apuesta por Rashid Johnson como el artista de Winter Season Lift Ticket Art 

Rashid Johnson es un artista estadounidense contemporáneo cuyo trabajo adopta una gama de diversos medios para explorar temas de historia del arte, identidades culturales individuales y compartidas.

La obra de arte del boleto de elevación 2022-23 para Aspen Snowmass consistirá en una selección de seis de los diversos trabajos recientes de Johnson centrados en la historia intelectual y cultural.


Inspirado en una amplia gama de materiales y objetos cotidianos, incluidos cera, madera, acero, latón, baldosas de cerámica, libros, discos, cintas VHS antiguas, plantas tropicales exóticas,
e incluso radios CB: Johnson incorpora varios medios en su trabajo.

Dramático y teatral, el arte de Rashid transmite su influencia, la inspiración chamánica tanto de los afroamericanos como de la historia del arte, y muchas de sus obras recientes utilizan estos materiales de una manera que mostrar el deseo de los artistas de transformar y expandir los objetos materiales.

“Aspen Snowmass” en lugares inesperados continúa representando la cultura vibrante y distintiva que se encuentra dentro de nuestras montañas y resort, y también enfatiza nuestros valores de marca.

Tener un artista de este calibre asociado con nosotros es un honor”, ​​dice Paula Crown, en representación del equipo propietario de Aspen Snowmass. “El arte de Rashid Johnson es convincente, invita a la reflexión y fomenta la reflexión sobre cómo se consume el arte”.

Ahora en su decimoctavo año consecutivo, Art in Unexpected Places trae artistas venerados a Aspen para diseñar boletos de elevación de edición limitada, así como para conectarse con comunidades locales y globales a través de talleres, conferencias y experiencias en la montaña.

Además de aparecer en los boletos de elevación de esta temporada, un esquí de edición limitada con el trabajo de Johnson estará disponible exclusivamente  en el centro de Aspen. El artista también dirigirá un taller infantil en el resort este invierno.

En años anteriores, Aspen Snowmass ha presentado obras encargadas por artistas reconocidos internacionalmente como FriendsWithYou, Susan Te Kahurangi King, Hank Willis Thomas, Paula Crown, Yutaka Sone, Peter Doig, Karen Kilimnik, Jim Hodges, Carla Klein, Mamma Andersson, Mark Grotjahn , David Shrigley, Mark Bradford, Anne Collier, Takashi Murakami, Laura Owens y Paola Pivi. El programa de arte de boletos de elevación comenzó como una asociación entre el Museo de Arte de Aspen y Aspen Snowmass en 2005.

¡No te pierdas la coertura exlusiva de Glits en este evento!

TANE participa en la más reciente exhibición del MUAC con dos icónicas piezas

Una historia de ocho décadas no es tarea sencilla pues implica, necesariamente, atravesar por un proceso de ensayo y error, de aprendizaje y adecuación, de asumir retos y transformarlos en pautas de identidad que generen un estilo propio.

Para la marca mexicana TANE, el lenguaje de la plata ha alcanzado los niveles más altos en todos los sentidos, siendo el diseño, la excelencia y el trabajo artesanal las constantes que a lo largo de 80 años la han posicionado como la firma cuya visión estilística enriquece el vasto panorama cultural de México.

Y es precisamente la cercanía y complicidad de TANE con los procesos artesanales el motivo de su presencia en la muestra ‘Una modernidad hecha a mano’.

El diseño artesanal en México,  que abarca de 1952 a 2022, se podrá visitar a partir del 14 de mayo y hasta el 13 de noviembre en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC).

La firma de lujo mexicana fundada en 1942 participa con cuatro piezas icónicas de su producción: Jarra dos picos, Chiquihuite chico, Chiquihuite grande y Guaje.

Las creaciones Chiquihuite fueron elaboradas originalmente en 1960 por Pedro Leites, quien retomó estas piezas típicas de la artesanía mexicana y las reinventó en plata .925, mediante un acucioso proceso de fundición y tejido a mano. Jarra dos picos, un clásico atemporal que expone toda la maestría orfebre de TANE, también es una obra de 1960 creada por Leites mediante la técnica de plata
repoussé.

Por último, Guaje es un imponente centro de mesa que sublima el poder de la plata y su hipnótico fulgor. Se trata de una obra hecha por primera vez en 1980 por Alfonso Sotosoria y Pedro Leites, quienes en sinergia con los mejores orfebres de México idearon una creación de gran complejidad técnica: plata rechazada, repujada y fundida, inspirada en los calabazos laqueados de Michoacán.

“En México, la modernidad en el diseño del entorno cotidiano se interpretó como el proyecto de unir las tradiciones y condiciones locales con el sueño de la industrialización. Esa pauta de combinar las necesidades de la vida moderna con diversas estéticas de orientación popular y artesanal sigue formulando el vocabulario –en gran medida mexicanista– del diseño en este país”, indica Ana Elena Mallet, curadora de la exhibición.

Una modernidad hecha a mano. Diseño artesanal en México, 1952-2022 propone revisar la noción de diseño artesanal, producida y teorizada en México desde mediados del siglo pasado hasta la actualidad, para trazar una genealogía de autores, diseñadores y artesanos que apostaron por generar una cultura
material mestiza como imaginario de un nuevo modo de vida.

“Para TANE es un orgullo formar parte de esta muestra, en el marco de nuestro octogésimo aniversario. Es, al mismo tiempo, una forma de celebrar el trabajo de nuestros artesanos, verdaderos maestros de la orfebrería, quienes dan vida a creaciones únicas, hechas a mano y para durar por siempre, las cuales hoy
visitan un espacio tan importante como el MUAC”, señala Huitzi Marín, Gerente de diseño creativo en TANE.

La historia de amor entre TANE y el arte constituye el ADN de una marca que ha encontrado inspiración en el arte prehispánico y popular, hallando en ambos motivos de una calidad estética extraordinaria. Mediante el diseño, TANE ha transformado esta influencia en otra cosa: el brillo, la textura y contundencia de piezas que serán totalmente diferentes a las originales y, a la vez, las honrará a
través de la plata, metal noble sobre el cual el escritor, poeta y ensayista Alberto Ruiz Sánchez señala:

“La plata impone a nuestra mirada la intensidad luminosa de su materia. Da la impresión de que un resplandor súbito, una especie de relámpago, cayó en el silencio dejando como fruto de su aparición un objeto encendido, no con fuego terrestre: entre azul, amarillo y rojo, sino con luz más que blanca, lunar”.

 

¡Una modernidad hecha a mano!